Изкуство + Дизайн. Остроумие, хумор и УАУ

На няколко студени ноемврийски вечери в Ню Йорк хиляди ценени ценители на изкуството, колекционери, собственици на галерии (и техния персонал), интериорни дизайнери и други, които харесват страхотно коктейлно парти и зашеметяващи обекти на изкуството, се събраха в парка Avenue Armory към OMG, OOO и AhAha за оригинални творби с голяма красота (и страхотни цени) за събиране на пари за благотворителни организации (включително Dia Art Foundation и Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique и InCollect участваха като спонсори на събитията.

Петдесет и шест собственици на галерии от 11 държави (включително САЩ. Европа, Великобритания, Германия, Белгия, Франция, Дания, Италия, Монако, Холандия, Южна Африка, Испания и Швеция) от 30 международни галерии - представиха глобален подход към модернизма. В салона са показани (за покупка и възхищение) исторически, модерни и съвременни мебели, оригинални дизайни и изкуство от края на 19-20 век.

 Стойност на творческата икономика

През 2015 г. стойността на изкуството и културната продукция в САЩ е била 763.6 млрд. Долара, което възлиза на 4.2% от брутния вътрешен продукт. Изкуствата допринесоха повече за националната икономика, отколкото строителството, минното дело, застраховането, хотелиерството и хранително-вкусовата промишленост.

• Творческите художници са икономически актив в САЩ и през 2015 г., благодарение на художниците, САЩ са имали излишък в търговията с 20 милиарда долара с изкуства и културни стоки (Америка е изнесла 63.6 милиарда долара, а е внесла 42.6 милиарда долара за изкуства и култура).

 

• Потребителите на творческата икономика харчат над 102.5 милиарда щатски долара за изкуства, включително стоки и услуги, входни билети, храна, квартири и подаръци (2017).

 

• Секторът на изкуствата и културата осигурява голям брой работни места (4.9 милиона през 2015 г.), което представлява 3 процента от всички работни места в САЩ, които заедно плащат на работниците 372 милиарда долара.

Щати просперират от изкуствата

Сред щатите изкуствата представляват най-големия дял от икономиката на Вашингтон, 7.9% или 35.6 милиарда долара. Разчитайки на филмовата и телевизионната индустрия, изкуството на изкуството в Калифорния дава най-много пари сред щатите, със 174.6 милиарда долара (7 процента).

Ню Йорк се нарежда на второ място и в двете категории, като изкуствата внасят в икономиката 114.1 милиарда долара (7.8 процента). 462,584 46.7 служители на държавата в областта на изкуството са спечелили общо 2015 милиарда долара (XNUMX г.).

Делауер разчита най-малко на изкуствата, които съставляват само 1.3 процента от икономиката на държавата, или 900 милиона долара.

Събитието: Салонът Art + Design Show

Тъй като много художници представят най-новите си творби на това събитие, то се появява в горната част на списъка с изкуства в света на изкуството. Бих искал да придобия почти всяко представено парче, но времето, пространството и ограничените ресурси забраняват тази дейност; обаче мога да препоръчам „няколко от любимите ми неща“.

Подбрана селекция

1. Моли Хач. Студио „Тод Мерил и съдружници“. Ню Йорк

Моли Хач носи WOW в съвременното изкуство. Тя е преобразила това, което е било клише (висящи на стена ястия, популярни през 1940-те години) и е превърнала концепцията в колекционерски произведения на изкуството, които отговарят на хилядолетния начин на живот (мобилни, неограничени и променливи).

Висящите чинии са бил традиционен начин за показване на декоративни съдове за хранене и са били част от много култури от Европа до Азия. Преди векове сложните изложения на плочи в един дом са били знак за богатство и висок социален статус.

Днес Хач проектира чиниите си да бъдат окачени на стени, за да могат да бъдат наблюдавани и възхищавани. Нейното извънгабаритно и цветно ориентирано небце насърчава зрителите да преосмислят какво е ново и какво е сега; това, което беше обикновено, сега е необикновено.

Хач е родена през 1978 г. Майка й е била художник, а баща й - биологичен земеделски производител. Учи рисуване и керамика, получавайки BFA от Музейното училище в Бостън, Масачузетс. След колежа тя работи с грънчаря Миранда Томас във Върмонт и керамичните резиденции продължават в САЩ и Западна Индия. Нейният магистър по керамика е от Университета на Колорадо, Боулдър. През 2009 г. тя бе наградена за изкуство / резиденция в керамика в Центъра за изкуства „Джон Майкъл Колер“ в Уисконсин.

В момента Хач работи от домашното си студио в Нортхамптън, Масачузетс. В допълнение към керамиката, тя е писател, художник-дизайнер и създава модели на платове, мебели, бижута, щампи, рисунки с писалка и мастило и картини. Тя е вдъхновена от историческите тенденции в тъканите, шрифтовете, керамиката и мебелите, признавайки съвременен начин на живот, който включва кимване към хип-хоп, текстове на независими песни, текстови съобщения и събрани колоквиуми.

2. Хуберт Льо Гол. Галерия „Двадесет и първи век“

 

Френският дизайнер Hubert Le Gall е роден в Лион през 1961 г. Той е бил мениджър в колеж и след дипломирането си се премества в Париж (1983). През 1988 г. той започва да рисува и скулптурира, проектирайки мебели, които са гранични гаечни ключове, свързвайки поетичното и фантазията с функционалното.

Той е вдъхновен от това, което е сюрреалистично, но с шепот (и викове) към гръцката и римската цивилизация, френската 18-ти век, империята, ар нуво и арт деко. Вдъхновява се също от Салвадор Дали, Жан Кокто, сюрреалистите и Макс Ернст.

Неговата работа печели международни аплодисменти през 1995 г., когато е открит и популяризиран от собственика на галерията Елизабет Делакарт. Първата му експозиция беше в парижката галерия Avant-Scene и изложените творби (включително маргаритки и цветни комоди) станаха ценни като негови подписи.

3. Рич Мниси. Южна Африка

 

Рич Мниси, роден в Южна Африка, стартира своето предприятие през 2014 г. Той е известен като лидер в науката за модата и е признат за Международен млад дизайнер на годината в Африка за мода (2014).

Съблазнителният кожен шезлонг на Mnisi приема формата на Nwa-Mulamula (The Guardian), представящ присъствието на прабаба му. Нейното съществуване и нейните учения продължават вечно чрез разказване на истории, поколение след поколение. Табуретката, във формата на око със златни локви, ”... представлява нейните сълзи, които никога не са били напразни. Без нейната болка и нейните преживявания нямаше да съществувам. Не бих могъл да бъда човекът, който съм днес ”(Рич Мниси).

Чувствените форми са вечни и тяхната същност е уникално африканска, като същевременно е завладяваща.

4. Рейналдо Сангвино. Галерия за бъдещето Perfect. Ню Йорк.

 

Рейналдо Сангуино е роден във Венецуела и в момента работи в Ню Йорк. Неговите произведения на изкуството и керамиката отдават почит на жизнеността на заобикалящата го среда и всяко уникално парче използва средата от глина както като структура, така и като платно.

Сангвино е завършил училището за визуални изкуства „Кристобал Рохас“ в Каракас, Венецуела. Той разработва техниката си въз основа на интереса си към мейсенския порцелан и неговото значение в европейската история. Той е вдъхновен и повлиян от графити в стил графити и работата му предизвиква внимание заради живите цветове, текстури и ковките материали.

През 2007 г. той е номиниран за наградата на Louis Comfort Tiffany Biennial и един от художниците, участващи в 5-то биенале на El Museo Del Barrio 2007-2008, „The (S) Files“ в Ню Йорк.

Произведенията на Сангвино са изложени в галерия „Султан“ като част от проекта „Дийн“ в Ню Йорк; Музеят на изкуствата и дизайна, Ню Йорк; Музеят за изящни изкуства, Хюстън, Тексас; музеят MINT в Шарлот, Северна Каролина и Института по изкуствата в Минеаполис, Минеаполис, Минесота. Той направи своя дизайн в Маями / дебют с The Future Perfect (2017).

5. Памела Сабросо и Алисън Сигел. Галерия Хелър. Ню Йорк

Памела Сабросо получава бакалавърска степен по занаяти и материали от Университета на Британската общност (2007), а Алисън Сийгъл получава бакалавърска степен по изящни изкуства от университета Алфред (2009). В момента те живеят и работят в Бруклин, Ню Йорк.

Те започнаха да работят заедно през 2014 г., като установиха, че техните идеи възникват и се сливат чрез рисунки, дискусии и физическата работа в тясна работа. Заедно те са авантюристични и внасят ново свежо и уникално качество на всеки обект, който създават. Финалните творби са забавни, умни, анимирани, нестандартни и мили. Определено работещи през 21-ви век, те споделят творческа свобода, която се корени в ранното американско движение „Студио стъкло“.

Трудоемките работи започват от изработване на части и восъчни форми за издухване на стъкло и се простират до издухване на стъкло. Сабросо, обсъждайки работата си със Сигел, „... за да бъдете креативни, трябва да си позволите да бъдете уязвими. Когато сте честни за това кой сте, вие разкривате уникална и странна перспектива. Нашите комбинирани творения са Stranger Together. “

6. Франк Лойд Райт. Бърнард Голдбърг изящни изкуства. Ню Йорк

Райт е роден в Ричленд Център, Уисконсин (1867). По време на 70-годишната си кариера като архитект Райт създава над 1100 проекта. Въпреки че постъпва в университета в Уисконсин (1885) и учи строително инженерство, скоро става недоволен от тази област. Когато работи за Джоузеф Силсби по изграждането на параклиса на Единството, той осъзнава страстта си към архитектурата, така че се премества в Чикаго и чиракува в архитектурната фирма на Адлер и Съливан, като работи директно с Луис Съливан (1893).

След това се премества в Оук Парк, Илинойс и започва да работи от домашното си студио, където разработва система за дизайн, разработена от мрежови единици с фокус върху естествените материали, станала известна като архитектурното училище Prairie.

През 1920-те - 1930-те години прекарва времето си в преподаване и писане. През 1935 г. той започва да работи върху Fallingwater, най-известният му жилищен дизайн. През 1940-те - 1950-те години той се фокусира върху дизайни на Усония, които отразяват вярата му в демократичната архитектура, предлагайки жилищни възможности от средната класа.

През 1943 г. проектира музея на Соломон Р. Гугенхайм в Ню Йорк. Музеят е открит през 1959 г., шест месеца след смъртта му и е отбелязан като най-значимата му работа.

Галерията за изящни изкуства на Бернар Голдбърг в Ню Йорк стартира през 1998 г. от адвокат в Ню Йорк. Днес галерията е специализирана в американското изкуство (1900-1950), включително картини, скулптура и произведения на хартия от Ашкан, модернист, градски реалист, социалисти и регионалисти.

Хой Полой, присъстващ на събитието

 

Потърсете салона през ноември 2019 г. Направете резервации по-рано ... това е звездно събитие за всеки, който намира света на изкуството и дизайна за очарователен.

© д-р Елинор Гарели. Тази статия с авторски права, включително снимки, не може да бъде възпроизвеждана без писмено разрешение от автора.